Los Grammy

Foto: Michael Putland/Getty Images

lista

Algunos críticos consideran que 'Goats Head Soup' marca el comienzo del declive de los Stones. Pero el cansancio resultó ser uno de los estados de ánimo más satisfactorios de los Stones.

En términos energéticos, la trayectoria de los Rolling Stones en los años 1970 es una especie de parábola inversa: sube y luego baja.

Después de Beggars Banquet, de 1968, centrado en la acústica (básicamente su Led Zeppelin III) y Let it Bleed, de 1969, empapado de blues, los Stones realmente comenzaron a quemar caucho. Sticky Fingers, gloriosamente decadente de 1971, fue el paso final hacia su discutible obra maestra: Exile on Main St. del año siguiente.

A lo largo de cuatro lados grasientos, los Stones pasaron de una diversión desenfrenada y desaliñada a un dolor y anhelo al estilo de los domingos por la mañana: aparentemente contiene la totalidad del arte de los Glimmer Twins en un microcosmos.

Como Exile on Main St. fue un logro tan espectacular, es natural preguntarse si lo que siguió fue una recesión. Ingrese Goats Head Soup, su continuación de 1973, que hoy cumple 50 años.

Grumoso y ondulado, Goats Head Soup es conocido principalmente como el álbum que nos dio su balada número uno "Angie"; "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" también rompió el Top 20 en el Hot 100. En general, es una escucha elíptica y confusa, como los detritos esparcidos de las sesiones de Exile on Main St. coagulados en un autómata cojo.

No existe un "peleador callejero" ni un "dame refugio" ni un "azúcar moreno". En cambio, tenemos "Dancing With Mr. D", que se arrastra, "Coming Down Again", cansado de perros, y "Star Star", que se tambalea. Más que casi cualquier otro álbum de los Stones, Goats Head Soup es su propio universo.

Para bien o para mal, Goats Head Soup está atascado en primera marcha. Pero para los fanáticos de los Stones conectados de cierta manera, eso es una característica, no un error.

Cuando los Stones suenan agotados, es un Stones que vale la pena saborear. Y a pesar de la cantidad de críticas contemporáneas mediocres, Goats Head Soup es donde comenzó esta hermosa caída. Aquí hay 10 razones por las que deberías darle una oportunidad a este plato sui generis Stones.

Desde el riff de apertura deliciosamente siniestro de Keith Richards, "Dancing With Mr. D" demuestra que casi no tiene análogo en el catálogo de los Stones.

"Sí, en el cementerio donde tenemos nuestra cita/ El aire huele dulce, el aire huele enfermo/ Él nunca sonríe, su boca simplemente se tuerce", farfulla Mick Jagger. "El aliento en mis pulmones se siente pegajoso y espeso/ Las palmas de mis manos están húmedas y pegajosas".

¿La inicial del Sr. D significa muerte? ¿Para el diablo? Cualquiera sea el caso, Jagger se está entregando a una diversión macabra.

Hay un cierto cansancio inolvidable en las canciones de los Stones de Keith Richards, y "Coming Down Again" es una especie de obra maestra abatida.

Antes de que preguntes, sí, se trata de drogas; después de todo, estos son los Stones en los años 70. Pero si quitamos la mitología drogadicta de la ecuación, es simplemente una cosa de belleza azotada por el viento y con la cabeza gacha.

En los años posteriores a los acontecimientos del documental Get Back de los Beatles, el teclista Billy Preston fue muy solicitado como gato de sesión: apareció en álbumes en solitario de tres de los cuatro Beatles, así como en los de Sly and the Family Stone, Joe Cocker, y, sí, los Stones.

Preston había aparecido anteriormente en Sticky Fingers y Exile on Main St.; en "100 Years Ago", toca el clavinet inspirado, y en "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)", dobla el clavinet con piano. Hablando de…

A pesar de su ritmo acelerado, "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" no es exactamente genial; hierve a fuego lento y flota.

Líricamente, presenta ejemplos reflejados de tragedia urbana: un joven baleado por la policía en un caso de identidad equivocada, y una niña de 10 años que sufre una sobredosis en un callejón. Pero no es una canción estilo "Huracán" arrancada de los titulares.

Décadas más tarde, Jagger negó cualquier inspiración específica del mundo real, atribuyéndola a "Nueva York como un lugar violento. Estados Unidos como un estado policial de mano dura".

"Podemos retroceder 100 años y probablemente sea incluso más pesado", continuó Jagger. "Obviamente, hace todo ese tiempo era pesado en muchos lugares, pesado ahora y pesado antes".

¿Quién es Angie? ¿Es Ángela Bowie? ¿Marianne Faithfull?

Esta charla se puede consignar con seguridad a los archivos de la tradición del rock, ya que no viene al caso: "Angie" es simplemente una canción hermosa. (Aunque su kilometraje puede variar según los susurros de Jagger).

Para obtener una evaluación experta de lo que hace que este single sea majestuoso y tremendamente popular, consulte el video analítico de YouTube de Rick Beato, para su What Makes This Song Great? serie.

Sí, venimos a los Stones por la seguridad y la valentía, pero podría decirse que es aún más interesante cuando esas cualidades pierden su brillo.

Tomemos como ejemplo dos de los cortes más cachondos: "Silver Train" trata sobre una prostituta; "Star Star" trata sobre una groupie. Pero en lugar de sonar exagerados, suenan frágiles, como si el machismo fuera un viejo disfraz que no les quedaba bien en ese momento.

Como remezclador de los Beatles, Giles Martin no cayó muy lejos del árbol; su padre, por supuesto, era el icónico productor de Fabs, George Martin.

Después de dejar su huella con el sargento. Pepper's, Abbey Road y similares, Martin ha comenzado a trabajar con otros grupos, incluidos los Stones.

Su remix de 2020 de Goats Head Soup limpia la suciedad y revela su corazón vulnerable y otoñal. En verdad, a pesar de su reputación heterogénea, este guiso nunca ha sido tan sabroso.

10 razones por las que Get A Grip es el álbum más icónico de Aerosmith

Foto: L. Cohen/WireImage

lista

Celebre el Record Store Day este 22 de abril abasteciéndose de LP nuevos y exclusivos de Taylor Swift, Björk, The Rolling Stones y más en su tienda de discos participante local.

Desde vinilos de Post Malone hasta Peppa Pig, las tiendas de discos de todo el mundo se están abasteciendo de lanzamientos exclusivos limitados para el Record Store Day 2023.

El evento, que se celebra anualmente cada mes de abril desde 2007, rinde homenaje a las tiendas de discos de propiedad independiente y a la unidad de fans y artistas. Este año, muchas tiendas en todo el mundo darán la bienvenida a más de 300 discos exclusivos y limitados que van desde rock hasta jazz y rap el 22 de abril.

Con ex embajadores oficiales como Taylor Swift, Metallica, Ozzy Osbourne, Jack White, Chuck D y St. Vincent, el Record Store Day celebra la música de todos los géneros. Y ese es exactamente el caso con la lista de lanzamientos especiales de este año, que abarca desde Miles Davis hasta Beach House.

En honor al Record Store Day 2023, anímate con estos 10 lanzamientos exclusivos y limitados que llegarán a tu tienda participante local.

1975, que actúa como embajador oficial del Record Store Day en el Reino Unido este año, nos lleva de regreso a 2016 con su segundo LP, I like it when you sleep, for you are so beautiful but so inconsciente of it, esta vez, junto con la Filarmónica de la BBC. Orquesta. Disponible por primera vez en vinilo doble transparente, esta versión orquestal del segundo álbum de estudio de la banda de rock británica también incluye una versión de su gran éxito, "Chocolate".

El álbum de Miles Davis, On the Corner, celebró su 50 cumpleaños el pasado mes de octubre y su innovación da un nuevo giro en el Record Store Day. Titulado Turnaround, este vinilo azul cielo presenta cuatro cortes del álbum ampliado de 2007 The Complete On The Corner Sessions, y también ofrece apariciones de Herbie Hancock, Dave Liebman y Bennie Maupin.

Llena tu colección de discos con algo de flora y fauna: patrones naturales y excéntricos en color escarlata y verde adornan cada funda de vinilo de los remixes exclusivos de Fossora de Björk. El lanzamiento incluye dos canciones dinámicas: A1 Ovule con Shygirl (remix de Sega Bodega) y A2 Atopos (remix de sideproject).

Una publicación compartida por Beach House (@beaccchhoussse)

Catorce meses después de que el dúo de pop psicodélico Beach House presentara su octavo álbum de estudio, Once Twice Melody, continúan la historia con un nuevo EP. Titulado Become, el proyecto de cinco canciones, que está disponible en vinilo transparente el Record Store Day, incluye cinco canciones inéditas de su LP de 2022.

Hace poco más de 20 años, Nas ofreció una actuación espectacular en el Webster Hall de la ciudad de Nueva York, solidificando aún más su estatus como leyenda del hip-hop de la costa este. El animado concierto de 20 canciones ahora aparece en vinilo por primera vez, con ilustraciones familiares que recuerdan a su lanzamiento en DVD original en 2003.

Más de seis décadas después de su carrera, Dolly Parton se une a la diversión del Record Store Day con una celebración de sus primeros años. Los sencillos remasterizados de la leyenda del country de la década de 1960 están llegando a las tiendas de discos, y la colección especial por primera vez también incluye notas de la dos veces nominada al GRAMMY Holly George-Warren.

Mientras los Rolling Stones cantaban sobre "una masa arremolinada de gris, azul, negro y blanco" en "Salt Of The Earth", el próximo vinilo limitado de la banda de rock para Beggars Banquet se imprimirá con un patrón de remolino de los mismos cuatro colores en tributo. El grupo fusiona el rock clásico con sus raíces de blues en Beggars Banquet, y el vinilo de su álbum de 1968, aclamado por la crítica, presenta la obra de arte original y el póster de escaparate.

Una publicación compartida por Record Store Day US (@recordstoredayus)

En septiembre de 2020, el álbum folklore de Taylor Swift, ganador del GRAMMY, fue reinventado en el Long Pond Studio de Nueva York con un par de los colaboradores más cercanos de la cantante, Aaron Dessner (The National) y Jack Antonoff (fun./Bleachers). Y en noviembre de ese año, los fans pudieron presenciar esas sesiones en un documental de Disney+. Ahora, más de dos años después, las sesiones de estudio acústicas del sereno álbum están disponibles en vinilo por primera vez, incluidas las cuatro caras y el tema extra "the lakes".

La memoria de ODB sigue viva en la reedición en vinilo de su icónico álbum debut de 1995, Return to the 36 Chambers: The Dirty Version. Con las remasterizaciones de 15 temas de 2020, este lanzamiento es el primer lanzamiento póstumo de ODB desde 2011, pero no es la primera vez que los fanáticos escuchan su voz desde entonces: el tema SOS de SZA, "Forgiveless", concluye con un verso inédito del fallecido rapero.

Este año se cumple el 40 aniversario de la trascendental gira Hard For The Money de Donna Summer. Este vinilo exclusivo celebra a la Reina de la música disco en todo su esplendor, capturando su concierto en vivo en el Pacific Amphitheater de Costa Mesa en agosto de 1983. El vinilo ofrece actuaciones de los invitados especiales Musical Youth, sus hermanas Dara y Mary Ellen, y su hija mayor Mimi.

La escasez de vinilo, explicada: las largas esperas, los materiales costosos y la alta demanda están cambiando lo que hay en su tocadiscos

Bob Dylan

Foto: Deborah Feingold | Cortesía de Sony Music Entertainment

noticias

Una nueva y reveladora caja, 'Springtime In New York', demuestra que Bob Dylan todavía era una fuerza de la naturaleza en los años 80. Vale la pena reexaminar la producción de otros artistas del rock clásico durante la década difícil.

¿En qué piensas cuando piensas en los artistas de los 60 en los 80? ¿Arrojado, a la deriva, perdido en un mar de tecnología emergente? No estás solo -Bob DylanSe consideraba a sí mismo como tal en sus memorias de 2004, Crónicas.

"En realidad no había desaparecido de la escena, pero el camino se había estrechado", escribió. "Había una persona desaparecida dentro de mí y necesitaba encontrarla". (También se autodenomina "blanqueado y desperdiciado profesionalmente" y "en el pozo sin fondo del olvido cultural").

Esto viene del tipo que nos dio "Every Grain of Sand", "Jokerman" y "Blind Willie McTell" durante esa década, que adoptó el modo de predicador cristiano con los ojos desorbitados en concierto y destruyó el universo en "Late Night With David Letterman" respaldado por la ardiente banda de punk The Plugz. Cualquiera que fuera su estado interno en ese momento, estaba vendiendo mal su producción creativa.

Leer más: Esto es lo que sucedió en el misterioso concierto en vivo "Shadow Kingdom" de Bob Dylan

Esta sospecha –o convicción– que los verdaderos jefes de Dylan siempre han tenido es ahora una verdad evangélica. Springtime in New York, una mezcla heterogénea de cinco discos que llegó en septiembre, elimina la producción a veces dominante de álbumes como Empire Burlesque, revelando sus componentes centrales: Dylan en medio de un despertar espiritual, respaldado por acompañantes asesinos comoApuros'Mark Knopfler.

Entonces, a Dylan le han entregado una balsa salvavidas de los años 80, una década que con demasiada frecuencia se considera un barco que se hunde para él y sus contemporáneos. Claro, algunos artistas de los años 60 tuvieron grandes problemas creativos y lo admiten.Pablo McCartney La película y la banda sonora de Give My Regards to Broad Street no lograron salir de esa época; el ahora prolíficoDavid Crosby sólo lanzó un álbum, Oh Yes I Can; y así sucesivamente.

¿Pero esto es cierto paraGeorge Harrison , ¿quién se reincorporó a la industria musical con una sonrisa deslumbrante en Cloud Nine? ¿Qué pasa con los Kinks, quienes manejaron las curvas de las eras del arena-rock y el punk y luego lograron un grand slam con State of Confusion? OJethro Tull, cuyo Crest of a Knave les valió su primer GRAMMY (para disgusto demetalicaaficionados)?

Claramente, hay una desconexión mayor en juego. Entonces, examinemos 10 excelentes álbumes de artistas más asociados con los años 60 que realizaron grandes trabajos en los años 80.

Por extraño que parezca,lennonEl último álbum de, el que nos dio joyas como "(Just Like) Starting Over", "Beautiful Boy (Darling Boy)" y "Watching the Wheels", obtuvocríticas mordacestras su lanzamiento.

NME, en particular, deseó que Lennon hubiera "mantenido cerrada su gran trampa feliz hasta que tuviera algo que decir que fuera siquiera vagamente relevante para aquellos de nosotros que no estamos casados ​​conYoko Ono." Los críticos cambiaron de tono después del asesinato de Lennon apenas unas semanas después de su lanzamiento. Pero incluso si todavía estuviera con nosotros (¿y qué lindo sería eso?), Double Fantasy seguiría siendo un hito.

Imagínese esto: después de cuatro décadas caóticas en las que Lennon perdió a su madre joven y formó (y deshizo) la banda de rock más importante de todos los tiempos, tuvo una experiencia transformadora en un yate desde Rhode Island a las Bermudas, en la que una fuerte tempestad lo obligó a tomar el volante solo durante varias horas. Gritó canciones marineras y lo tomó como un bautismo.

"Estaba tan centrado después de la experiencia en el mar que sintonicé con el cosmos, ¡y surgieron todas estas canciones!" dijo más tarde. No se parecían a ningún otro que hubiera escrito.

Es fascinante ver "¿Beatles o Stones?" El debate se está filtrando nuevamente en los medios, porque nos recuerdan que se trata de una falsa dicotomía.

"Los Rolling Stones[son] una gran banda de conciertos en otras décadas y otras áreas cuando los Beatles ni siquiera hicieron una gira por estadios o el Madison Square Garden con un sistema de sonido decente",Mick Jaggerdijo recientemente . "Se separaron antes de que comenzara ese negocio: el negocio de las giras de verdad".

Como el máximo monumento al rock de estadio de los Stones, Tattoo You siempre ha sido bien considerado en su discografía. Pero ahora que una nueva edición del 40 aniversario, lanzada en octubre a través de Polydor/Interscope/UMe, nos ofrece una nueva remasterización, podemos recordar que la verdadera integridad del álbum está en las canciones.

"Start Me Up" ha cobrado nueva vida en una variedad de anuncios, desde Windows 95 hasta los Juegos Olímpicos de verano, y eso se debe a que su gancho y su riff son inolvidables. Y "Waiting on a Friend" sigue siendo una de sus melodías más conmovedoras y esquivas, una que sólo veinteañeros cazadores de faldas podrían escribir después de profundizarse y marchitarse con la edad.

Después de su imperial racha de álbumes en los años 70, Mitchell estaba un poco apagada en los años 80.

La producción de synth-pop y la politiquería específica de una época tuvieron un efecto congelado en Dog Eat Dog de 1985; Chalk Mark in a Rain Storm de 1988 se basó en gran medida en duetos conPedro Gabriel,Willy Nelson,Don Henley y otras superestrellas. (Aun así, no descartes ese último.Courtney Barnettesfanático vocal!)

Dicho esto, su primer álbum de la década, Wild Things Run Fast, es un álbum imperfecto pero profundamente satisfactorio con colaboradores distinguidos, como el saxofonistaWayne más corto, guitarristaSteve Lukathery bajista (y entonces esposo)Larry Klein.

"Chinese Café" es uno de los abridores de álbumes más subestimados y luminosos de todos los tiempos, y da paso con gracia al estándar romántico "Unchained Melody". Y las joyas siguen llegando, desde la exquisita "Moon at the Window" hasta la penetrante "Be Cool".

En general, si te saltas los chirridos de las guitarras en "(You're So Square) Baby, I Don't Care" y "You Dream Flat Tires" en la cara 2, Wild Things Run Fast encaja perfectamente con sus obras maestras de la era de la fusión de los años 70. .

Leer más:Para que conste: la emotiva obra maestra de 1971 de Joni Mitchell,Azul

Como sólo los hermanos en una banda de rock clásico de todos los tiempos podrían experimentar, Ray y Dave Davies han tenido una relación conflictiva durante décadas, tanto a nivel creativo como personal.

No sólo su banda, los Kinks,prohibido en los escenarios americanosen la cima de su fama, pero sus tensiones fraternales llevaron a incidentes extraños como cuando Ray pisoteó el pastel de cumpleaños número 50 de Dave.

Hoy en día se llevan muy bien y trabajan en nueva música. Pero a pesar de todo el ruido de la prensa, vale la pena recordar que los Kinks resistieron los cambios fundamentales en la industria musical mejor que muchos de sus pares. La canción de Dave para la banda de 1984, "Living on a Thin Line", es un ejemplo perfecto: incluso apareció tres veces en un episodio clásico de Los Soprano.

También vale la pena celebrar su época de los 80: State of Confusion, un brillante álbum pop con toques de punk y new wave. "Long Distance" y "Come Dancing" son los clásicos obvios del grupo - Rolling Stonellamado el primero"sorprendentemente dylanesco", y este último, una oda a su difunta hermana, René, fue su mayor éxito en más de una década.

Pero incluye todo el programa y luego profundiza en la producción de los Kinks de los 80. No te decepcionarás.

Respire aliviado: muchas de las mejores bandas progresivas todavía están con nosotros en el siglo XXI.Jethro Tullpronto lanzarán su primer álbum en décadas;Génesis Actualmente están dando la vuelta al mundo en una emocionante gira de reunión; el infatigableSíacaba de lanzar La Búsqueda.

Esta última banda ha experimentado una longevidad poco común, habiendo superado la muerte de miembros clave Chris Squire y Peter Banks y solo tomando pausas relativamente breves durante sus 53 años de carrera. Y, comoKing CrimsonSí, sólo pareció que le salieron dientes cuando amanecieron los años 80.

El álbum new-wave marcó el regreso del meloso cantante Jon Anderson, que se había marchado en 1980. Y "Owner of a Lonely Heart", especialmente, fue un emocionante cambio de vestuario que ayudó a demostrar que Yes podía convertir fácilmente sus elaboradas improvisaciones en pop bailable. .

Convertirse enchicos de la playaDiehard es un proceso de tres frentes: te adentras en el material experimental de los 60, te das cuenta de que los primeros éxitos del pop y los álbumes de los 70 también gobiernan, y luego toda su historia se revela como un continuo magnífico y defectuoso.

Esta historia de amor entre tú y America's Band también significa conocer a su ángel central:carlos wilson . Cuando su innovador residente,Brian Wilson, comenzó a pasar a un segundo plano a finales de los años 60, su hermano asumió el cargo de director musical de la banda hasta su muerte en 1998.

Por supuesto, la época de los 80 de los Beach Boys no es la primera época que deberías visitar, per se. Pero de ninguna manera merece un despido total. Su disco homónimo, el primero desde el ahogamiento del baterista (y hermano mediano de Wilson) Dennis, conlleva una intensidad conseguida con esfuerzo que lo convierte en una escucha esencial.

Tres temas merecen especialmente su atención: "Getcha Back", una coescritura apasionante entremike amoryTerry Melcher ; "Ella vuelve a creer en el amor", un sentidoBruce Johnston balada con un encantador barniz de yate-rock; y la elíptica "Donde pertenezco", que Carl nunca creyó haber terminado realmente.

Leer más: Brian Wilson es un genio creativo único en la vida. Pero los Beach Boys son más que solo él.

A estas alturas, Crest of a Knave tiene la reputación de superar a …And Justice For All de Metallica en una categoría GRAMMY en la que algunos creían que no deberían haber estado: Mejor Interpretación Vocal o Instrumental de Hard Rock/Metal. (El líder de Tull, Ian Anderson, respondió descaradamentesacando unCarteleraanuncioque dice "La flauta es un instrumento metálico pesado").

Esto es una pena por múltiples razones. Crest no solo es uno de los álbumes más pesados ​​de Tull, especialmente el rascacielos "Steel Monkey", sino que también contiene clásicos fríos de Tull. Aquí, las texturas de los 80 son una característica, no un error; Los secuenciadores y la programación sustentan las canciones de Anderson, que a menudo se sitúan en el contexto de la expansión urbana.

En "Steel Monkey", un trabajador tonto de un rascacielos promociona su destreza sexual; en "Farm on the Freeway", un granjero rentable pierde su tierra generacional a causa del acero y el asfalto; En la exquisita "Said She Was a Dancer", una envejecida estrella de rock occidental (¿el propio Anderson?) coquetea sin éxito con un moscovita emocionalmente distante.

Leer más:Jethro TullEscafandra autónomaA los 50: Ian Anderson sobre cómo la fantasía, la indagación y el escepticismo religioso forjaron el clásico del rock progresivo

Harrison era más sólido en los años 80 de lo que se podría pensar: Travelling Wilburys y "Life Itself" de Somewhere in England valen por sí solos el precio de la entrada.

Pero cualquier discusión sobre su producción durante la década debe comenzar con Cloud Nine, concebida y comercializada como su regreso.Burlarse de la portada del álbum.todo lo que quieras: irradia vibraciones positivas y anuncia perfectamente la colorida música producida por Jeff-Lynne.

"That's What It Takes" es una oda inspiradora a la resiliencia; "Fish on the Sand" hace que uno desee haber hecho algo de Byrds más a menudo; el jubiloso "Got My Mind Set on You" (incluido su vídeo) es un tónico psicológico para cualquiera que esté pasando por eso.

Cloud Nine sería el último álbum que Harrison lanzaría durante su vida; su álbum póstumo de 2002 Brainwashed es igualmente, si no más, radiante. Qué placer para los fans de Harrison, que después de algunos álbumes medio comprometidos de los 70, fruto de la frustración con la industria musical, le recordó al mundo que tenía lo necesario.

Esta idiosincrásicacanarioEl período de los 80 está lleno de bromas y giros a la izquierda, pero hay más "allí" que solohaciendo enojar a David Geffen.

Re·ac·tor de 1981 y Trans de 1982 han envejecido fabulosamente, tocando música electrónica y krautrock mientras abordan con ternuraJoven La ruptura de la comunicación con su hijo no verbal, Ben. Luego está This Note's For You, de 1988, su swinger y bluesero derribo del patrocinio corporativo.

Hizo ese álbum con los Bluenotes, una variedad de antiguos afiliados equipados con una sección de metales y lengüetas. Si bien hoy es una curiosidad digna, Bluenote Café, un álbum en vivo de archivo que contiene selecciones de las giras de Young con los Bluenotes, es emocionante de una manera completamente nueva.

En todo momento, los cuernos no son sólo un pastiche: se balancean legítimamente. Después de 23 canciones poderosas y estridentes, incluido su clásico de Freedom "Crime in the City" y su épica subestimada "Ordinary People", es posible que te sientas agradablemente agotado.

Dicho esto, si no estás ahí con el miembro de la audiencia gritando "¡Woooo!" Durante "Bienvenido a la gran sala", es posible que estés hecho de piedra. Si está buscando selecciones de la creciente serie Archives de Young, pierda esta bajo su propio riesgo.

El adjetivo que se coloca con más frecuenciaLou Reed es "astuto", pero Nueva York toma esa etiqueta y la define literalmente. Las progresiones de acordes rudimentarias, que se pueden aprender después de tres lecciones de guitarra, parecen grabadas con tiza; los densos torrentes de letras ilustran los Estados Unidos de la era Reagan.

"Esos matones del centro no son muy buenos/ Esos italianos necesitan que les enseñen una lección/ Este policía que murió en Harlem/ Crees que recibirían la advertencia", entona el líder de Velvet Underground en "Romeo Had Juliette", y el Los detalles se derraman desde allí como la sangre de ese desafortunado oficial de la ley.

Realmente, Nueva York parece menos un disco de rock que una obra de periodismo denso y fascinante; no importa dónde o cuándo te comuniques con él, ahí estás, justo en medio del malestar social y la decadencia urbana que está describiendo.

"Fuera de la ciudad gritando, gritando, susurrando/ Los misterios de la vida", dice "Navidad en febrero", un resumen tan bueno como cualquier otro del arte de Reed con las botas en el suelo y la cabeza en el éter.

Daniel Lanois explica por qué un árbol de 1.000 años influyó en su nuevo álbumSol pesadoY trabajando con Bob Dylan, U2

Charlie Watts en 1964

Foto: Jeremy Fletcher/Redferns vía Getty Images

noticias

Desde su primer corte con los Rolling Stones en 1964 hasta su último sencillo de 2020 con la mejor banda de rock 'n' roll del mundo, Charlie Watts sentó las bases para sus escandalosos compañeros de banda.

Ampliamente considerado como uno de los mejores bateristas en la historia de la música grabada, es difícil exagerar el inmenso legado e influencia del miembro de los Rolling Stones, Charlie Watts.

Al anunciar su muerte el 24 de agosto a los 80 años, su banda consideró a Watts "uno de los más grandes bateristas de su generación". Paul McCartney dijo que estaba "firme como una roca". Y Elton John llamó a Watts "el mejor baterista".

Watts deja atrás una aclamada carrera con los Stones, que incluye 12 nominaciones al GRAMMY y tres victorias, siendo su GRAMMY más reciente el de Mejor Álbum de Blues Tradicional por Blue and Lonesome en 2017.

En el lapso de 30 álbumes, la banda evolucionó a lo largo de las generaciones, desde su debut a principios de los 60 como rockeros jóvenes y luchadores conocidos por sus versiones de blues, que luego dieron paso a un breve período de sonido experimental antes de una transición al rock de arena con himnos como " Me arranque."

A medida que pasaron las décadas, Watts y sus compañeros de banda reflejaron los sonidos de la música moderna sin sacrificar la aguda firma del rock por la que los Stones se hicieron famosos. Aquí hay cinco canciones esenciales que pintan un retrato musical de Charlie Watts.

Era el año 1964, y un grupo heterogéneo de músicos que eran fanáticos absortos del blues y el rock americanos tempranos apenas comenzaban a irrumpir en la corriente principal. Un año después de su primera actuación en el Ealing Jazz Club de Londres, los Rolling Stones lanzaron su primer sencillo estadounidense: "Not Fade Away", una versión del clásico de Buddy Holly de 1957 hecha propia.

Las cabezas del público estadounidense se volvieron y se convirtió en su primer sencillo en el Billboard Hot 100, alcanzando el puesto 48, generando una base de fans ferviente. No es que haya hecho nada por Watts, un profesional consumado inmune a tales artimañas.

"Chicas persiguiéndote por la calle, gritando... ¡horrible! Lo odié", dijo una vez en una entrevista en el año 2000 sobre la histeria temprana de los Stones. "Fue bastante halagador, supongo. Es fantástico tocar ante un público así. Para mí, ese era el objetivo de ser perseguido por la calle... Tocar la batería era lo único que siempre me interesó".

Una de las canciones de rock más emblemáticas de todos los tiempos, "Honky Tonk Women" comienza únicamente con percusión. Primero, escuchamos al productor de los Stones, Jimmy Miller, con el cencerro, seguido de Watts con su confiable batería Gertsch; los dos continúan impulsando la canción hacia adelante.

La melodía inspirada en Hank Williams es un testimonio de la versatilidad de los Stones. A lo largo de la década de 1960, hicieron una transición perfecta de sus raíces influenciadas por el blues a climas country.

"Honky Tonk Women" fue la canción número uno en el país durante el tumultuoso verano de 1969 y su estatura no ha hecho más que crecer desde entonces, y Rolling Stone la calificó como una de las mejores canciones de todos los tiempos. Para empezar, el éxito fue incluido en el Salón de la Fama de los GRAMMY en 2014.

Justo en medio de la moda disco, los Rolling Stones fusionaron hábilmente los ritmos de club de la época con su estilo característico. Si bien "Miss You" de 1978 tiene una sensación de pista de baile, el corazón es un ritmo constante proporcionado por Watts.

También tiene cualidades del jazz, ya sea desde la voz frenética y espástica del líder Mick Jagger hasta su suave saxo y su guitarra. El resultado fue una confluencia de estilos que encajaban perfectamente con la voz musical de Watts.

"Lo mío, siempre que toco, es convertirlo en un sonido de baile", dijo en 2008. "No importa si es blues o lo que sea; debe balancearse y rebotar".

A pesar de convertirse en un ícono mundial de los estadios con los Stones, Watts comenzó su carrera enamorado del jazz, un interés que nunca abandonó. Lo exploró a través de proyectos paralelos como el Charlie Watts Quintet, que era relajado y discreto: la antítesis de lo que se convirtieron los Rolling Stones en sus últimos años.

Lanzado a principios de los 90, el Charlie Watts Quintet cubría estándares del Great American Songbook, desde el clásico de Cole Porter "You Go To My Head" hasta el estándar de 1941 de Rodgers y Hart "Bewitched", con Bernard Fowler a la voz.

"Me encanta [el jazz]", dijo una vez en una entrevista, citando a Charlie Parker como inspiración. "Era como si los niños escucharan a Jimi Hendrix: '¿Qué diablos está jugando?' Escuché a [Parker] y pensé: quiero ser eso. Quiero hacerlo en un club en Nueva York".

Es una canción que ejemplifica la rara e impresionante carrera que disfrutaron Watts y sus compañeros. En medio del encierro por COVID-19 en la primavera de 2020, su sencillo "Living in a Ghost Town" habló de la agitación global.

Lamentablemente, la divertida canción resultó ser el último lanzamiento de Watts como Stone después de una carrera discográfica que duró casi 60 años. Fue una duración que el propio Watts nunca había imaginado.

"Pensé que durarían tres meses, luego un año, luego tres años", reflexionó una vez sobre esa improbable carrera de casi seis décadas. "Entonces dejé de contar".

Donovan habla sobre su nuevo sencillo "I Am The Shaman", su próxima serie animada y el papel del chamán en la vida cotidiana

Los Rolling Stones en 1972

Foto: Archivos de Michael Ochs/Getty Images

noticias

'Sticky Fingers', el álbum de 1971 que encabezó las listas de éxitos de los Rolling Stones, es un proyecto de rock and roll esencial y peligroso que marcó el renacimiento de la icónica banda.

La sucesión de redadas de drogas y tragedias de alto perfil que ensombrecieron a los Rolling Stones a fines de la década de 1960 llegó a un punto crítico con el lanzamiento en 1971 del undécimo álbum de la banda en Estados Unidos, Sticky Fingers.

Grabado en medio de las desastrosas secuelas del concierto de Altamont y entre las famosas y libertinas giras de conciertos por Estados Unidos y Europa, Sticky Fingers es tan crudo como lo eran las vidas de la banda en ese momento. La arrogancia de bar llena de humo de "Sway", los riffs nerviosos y la voz ronca de "Bitch" y el ritmo pero sucio "Brown Sugar" reflejan cuán salvaje se había vuelto el viaje del rock and roll para la banda.

Una redada de drogas en 1967 que atrapó a Mick Jagger y Keith Richards fue un preludio de los años siguientes. El cofundador de los Rolling Stones, Brian Jones, se ahogó en su piscina dos años después, menos de un mes después de que los Stones lo despidieran por uso excesivo de drogas, lo que había llevado a una menor participación en el grupo; apenas se presentó a las sesiones de Let It Bleed, el décimo álbum de la banda en Estados Unidos, que se lanzó en los meses posteriores a su muerte.

Ansiosos por un nuevo comienzo y desesperados por conseguir dinero, los Stones dieron un concierto ahora legendario en Hyde Park en Londres y llegaron a los Estados Unidos para su primera gira en dos años durante la segunda mitad de 1969. El caos siguió a la banda, culminando con una gira gratuita. concierto en el Altamont Speedway en las colinas entre Livermore y Tracy, California. Considerado como una especie de Woodstock de la costa oeste, con un cartel que incluía a Jefferson Airplane, Santana y los Grateful Dead, el concierto marcó el final de la era hippie de paz y amor.

Los enfrentamientos entre los miembros del club de motociclistas Hells Angels, que fue contratado como seguridad del concierto en el evento, y los miembros de la audiencia crearon una atmósfera tan cargada que Grateful Dead decidió no actuar, a pesar de que habían ayudado a organizar el evento. Un motociclista agredió al cantante de Jefferson Airplane, Marty Balin, mientras que otros apuntaron a asistentes al concierto como Meredith Hunter, quien fue asesinada a puñaladas frente al escenario durante la actuación de los Stones.

La tragedia se produjo tras el triunfo de las primeras sesiones de grabación de Sticky Fingers, que habían comenzado cuatro días antes en Muscle Shoals Sound Studio en Florence, Alabama.

Inaugurado a principios de ese año por un grupo de músicos de sesión conocidos como los Swampers, que habían respaldado a Aretha Franklin en "Respect", el estudio estaba ansioso por su primer éxito. Con los Rolling Stones, consiguieron dos: "Brown Sugar" y "Wild Horses", los dos sencillos del álbum, fueron grabados en Muscle Shoals, junto con una fiel versión de "You Gotta Move" de Mississippi Fred McDowell, entre el 2 y el 4 de diciembre.

"Brown Sugar" tiene la distinción de ser una de las canciones más controvertidas que alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100, donde alcanzó su punto máximo en mayo de 1971. Musicalmente, la canción es una clase magistral de los Stones que se basa en un riff de guitarra característico de Richards. . Para cuando Bobby Keys toca su culminante solo de saxofón, las guitarras tocan entre sí, la percusión y el piano suenan debajo y Jagger está aullando como loco.

La letra de la canción, sin embargo, es otra cuestión. Aunque a Marsha Hunt, una actriz británica de ascendencia africana, con quien Jagger tuvo un hijo en 1970, se le atribuye el mérito de ser la musa detrás de "Brown Sugar", la canción está plagada de alusiones y referencias explícitas a la esclavitud, el sexo y las drogas que eran indefendibles. Incluso hace medio siglo. En una entrevista de 1995 con Rolling Stone, Jagger calificó la letra como "una mezcolanza" que combina "todos los temas desagradables de una sola vez". Sin embargo, parece haberse enfriado en su concepto lírico a lo largo de los años; En la misma entrevista, dijo que "nunca escribiría esa canción ahora".

En el otro extremo del espectro, "Wild Horses" con tintes country y la balada que cierra el álbum "Moonlight Mile" muestran a un Jagger más introspectivo, melancólico y anhelante en el primero y cansado de la carretera en el segundo. Las guitarras acústicas proporcionan la base para ambas canciones, así como para "Dead Flowers" y "Sister Morphine", mientras que las guitarras trémulas y los instrumentos de viento ascendentes acentúan el alma, por lo demás escasa y suplicante, de "I Got the Blues".

Leer: 'The Wall' de Pink Floyd: para que conste

Sticky Fingers también marcó varios cambios de personal clave en el universo de los Rolling Stones. El derrocamiento y posterior muerte de Brian Jones los llevó a contratar al guitarrista Mick Taylor, de John Mayall's Bluesbreakers, quien repostó la energía de la banda.

Taylor asumió el papel de lleno en Sticky Fingers, aportando matices como los armónicos de repique en "Wild Horses" y estableciendo la plantilla de jam-band con su solo de guitarra extendido en "Can You Hear Me Knocking" de siete minutos sobre un solo acorde. vamp. Tocó todas las guitarras en "Moonlight Mile" después de que Richards, cada vez más poco confiable, no se presentara a las sesiones en Stargroves, la casa rural inglesa de Jagger, y a menudo se quedaba dormido mientras estaba drogado con heroína cuando lo hacía. Taylor tendría que dar un paso más en los próximos años a medida que creciera el hábito de su compañero de banda.

El fin de la relación del grupo con el ejecutivo del sello discográfico Allen Klein y su sello ABKCO también impulsó a la banda y comenzó la era moderna de los Rolling Stones. Sticky Fingers fue el primer álbum lanzado por Rolling Stones Records, que estrenó el icónico logo de labios y lengua, diseñado por John Pasche.

A pesar de aterrizar justo en medio de lo que muchos fanáticos consideran su época dorada (la publicación de cuatro álbumes de 1968 a 1972 que también incluía Beggar's Banquet, Let It Bleed y Exile on Main St.), Sticky Fingers marcó un renacimiento para los Rolling Stones; El legado y el impacto del álbum continuarían evolucionando en las décadas venideras.

Sticky Fingers volvió a entrar en el Top 10 del Billboard 200 en 2015 tras una campaña de reedición masiva. La reedición Deluxe incluye tomas alternativas, como "Brown Sugar" grabada con Eric Clapton en la guitarra y una versión extendida de "Bitch", junto con pistas en vivo grabadas en 1971. La reedición Super Deluxe agrega una grabación en vivo adicional de 13 canciones de un concierto. en la Universidad de Leeds ese mismo año.

Y mientras los hábitos personales de los miembros de la banda se desviaron aún más durante el período Exile on Main St. y a lo largo de los años 70, "los Rolling Stones" como corporación crecieron hasta convertirse en una máquina de grabación, giras, promoción y comercialización. A finales de la década, los Rolling Stones eran un acto de estadio y no han vuelto atrás desde entonces.

El debut homónimo de The Doors: para que conste