Reseña teatral: la Compañía Shakespeare captura la discordancia inherente de 'El cuento de invierno'

En el ámbito del público y los críticos modernos, “El cuento de invierno” de William Shakespeare emerge como una obra maestra intrigantemente discordante.

El mismo título sugiere una fábula caprichosa, un cuento contado para animar las noches de invierno.

Sin embargo, su primera mitad despliega una exploración profundamente matizada de los celos de Leontes, un tour de force al profundizar en la psicología humana, mostrando una intensidad y un realismo implacables.

Este segmento también sirve como un potente retrato de los peligros y responsabilidades inherentes a la monarquía, haciéndose eco de los temas del "Rey Lear" de Shakespeare. Aquí radica el enigma: ¿Por qué la obra da un giro repentino en su conclusión? ¿Por qué Shakespeare, después de haber construido meticulosamente un impulso trágico en los tres actos iniciales, decide desarmarlo con elementos fantásticos y magia en los dos actos finales?

En la producción de la Long Beach Shakespeare Company, dirigida por la directora Lauren Johansen, estos tonos dispares dentro de la obra no se fusionan con fuerza. En cambio, Johansen pareció abrazar cada faceta, permitiendo que la cruda intensidad de los primeros actos coexistiera con el encanto cómico de los últimos.

El elenco, que mostró una cohesión notable, brilló con una fuerza colectiva, un nuevo sello distintivo de esta compañía de teatro. En medio de este conjunto, dos actuaciones se destacaron claramente. La interpretación de Anastasia Cabaj de Hermione trazó el conmovedor viaje desde una reina imponente hasta una prisionera vulnerable, una interpretación tan conmovedora que evoca lágrimas. Igualmente sorprendente fue Amazing Oakes como Paulina, cuyo dominio del diálogo de Shakespeare continúa descifrando sus complejidades incluso para el oído no iniciado.

El diseño escénico, de Jason Sheppard, hizo un uso efectivo del espacio limitado, proporcionando un telón de fondo que facilitó las distintas atmósferas de la obra. Desafortunadamente, los intrincados cambios de escena deben realizarse con precisión, ya que hay muy poco margen de error, ya que hay muy poco espacio y la falta de ambos conduce a un par de cambios de escena incómodos.

El diseñador de vestuario Orion Dickey se aventuró en un reino de fantasía renacentista, evocando una especie de estética de videojuego. Si bien esta elección imbuyó a la producción de una calidad de otro mundo, algunos de los trajes podrían haberse beneficiado de un soporte estructural adicional para mejorar la apariencia de las actrices.

La verosimilitud es uno de los objetivos que muchas veces buscamos en el escenario; queremos que algo se sienta como vida, de la manera más honesta posible, incluso si la historia que contamos es fantástica o mitológica.

Con frecuencia nos encontramos atrapados en un tono y cuando intercalamos otros aspectos de la vida, resulta discordante. La vida es discordante, la vida tiene un tono sordo, por lo que tal vez busquemos mirar sólo una faceta a la vez en el escenario como una forma de compensar los cambios constantes de la vida real.

Esta noción resuena con la esencia de “El cuento de invierno”, cuyos cambios abruptos de tono imitan las fluctuaciones impredecibles de la vida real. En medio de una aparente desolación, la vida frecuentemente revela resoluciones sorprendentes, instándonos a confrontar la interacción de intensas emociones humanas y los elementos fantásticos que se entretejen a través de nuestras propias narrativas.

La dedicación del elenco y la perspicaz dirección de Johansen muestran la esencia de la obra, capturando su discordancia inherente como un espejo del curso impredecible de la vida.

El otro espectáculo que se estrena este fin de semana es “Exit Wounds” en el International City Theatre. Busque esa revisión la próxima semana.

Cuando:Hasta el 16 de septiembre

Dónde:Teatro Helen Borgers, 4250 Atlantic Ave.

Costo:$23 entrada general, $13 para estudiantes

Información:lbshakespeare.org

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